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雕塑装置一直受到专业核心收藏家的喜爱。它们多样的形式和强有力的表达方式，从材料的运用到象征特征的隐喻，以及多样的外延，始终给观者带来不同的新鲜感。从早期宗教演化出的具有品牌特色的神圣雕塑到如今的公共城市雕塑，这一载体一直是普通观众和专业人士所欣赏的问题。它所承载的历史和观念的分量也与其他雕塑相比。艺术表现形式更加直观。
根据Artsy的数据，我总结了一些比较受关注的（活着的）美术馆艺术家，他们将当代艺术雕塑（装置）作为单独的空间或赋予新的概念，并与展览环境相结合，创作出独立的艺术。语言。尽管他们的一些作品规模相对较小，但这些艺术家也打破了将雕塑作为一个单独学科的惯例。
10.达米亚
达米安·奥尔特加 (Damiá) 是一位墨西哥艺术家，他的创作经常将现实元素解构并重新组合成新颖的视觉体验。他1967年出生于墨西哥城，他运用这种最初出现在艺术设计中，后来运用到物理研究中的方法来提取概念元素并重建模型来完成他的创作。 （解构主义作为一种设计风格的探索出现于20世纪80年代，但其哲学起源可以追溯到1967年。当时的哲学家德里达（1930-2004）基于他在语言学中对结构的分析批判了主义并提出了“解构”理论）。
宇宙的主宰者，2007 宇宙的主宰者，2007
收获(), 2013
宇宙的东西，2003，威尼斯双年展
9. 安东尼·葛姆雷 ( )
安东尼·葛姆雷（ ）1950年出生于伦敦，当代著名雕塑艺术家。在剑桥三一学院完成学业后，他前往印度旅行了三年，然后返回伦敦，在伦敦大学金史密斯学院和伦敦大学学院斯莱德美术学院学习。
在整个艺术生涯中，葛姆雷始终以自己的身体为原型，并以此为出发点来探索身体与其所栖息的空间的关系。在经历了20世纪60年代欧洲叛逆运动的影响后，他直接挑战了古典雕塑的正确性。性并抛弃主流的罗丹雕塑语言，强调观赏者的主体地位。放弃政治英雄、宗教领袖或理想化人体的创造，而注重与每个人的互动。他邀请观众重新思考自己作为主体在时间和空间上的位置，并涉及观众的体验，不是遵守规则，而是质疑我们的生存环境。
空炫, 2015
仍然
静而动，2017
8.琳达·本格里斯
琳达·本格里斯 (Lynda ) 出生于 1941 年，在一个希腊裔美国人家庭长大，现在只能回忆起她年轻时对颜色的好奇心的一小部分。
20世纪60年代，Lynda 以新人的身份出现在纽约艺坛：她用彩色乳胶在地板上“作画”，打破了雕塑与绘画的界限。 20世纪70年代初，她用流体聚氨酯在墙壁上勾勒出人体曲线和自然景观的隐喻图形，挑战死板的极简主义。她对大男子主义和艺术商业化的辛辣讽刺使她成为评论界和评论界赞誉的焦点。 21世纪后，琳达对材料的实验和以性为标志的抽象风格是她创作的主题，从聚氨酯泡沫到金属、玻璃、珐琅、不锈钢、蜂蜡甚至乳胶。
“对我来说，在任何地方都很难感到舒服。我喜欢早上醒来，不知道自己在哪里。”琳达有旅行癖。
琳达，1969
琳达 1971 年艺术
琳达在百隆与坡，2020
7.安尼什·卡普尔
安尼什·卡普尔（Anish）1954年出生于印度孟买。20世纪70年代初，他在以色列的一个农场学习电子工程，然后决定成为一名艺术家。 1972年移居英国伦敦，就读于何恩西艺术学院和切尔西艺术与设计学院。 1990年和1991年分别获得威尼斯双年展新锐艺术家奖和英国“特纳奖”，成为“新英国雕塑”的代表人物。他是全球公认的当代艺术大师。卡普尔的创作是形而上和超自然的，涉及物质与非物质、存在与消失、空间与非空间等形而上的问题。
“真实的物体往往能带来非物质的感觉。” ——安尼什·卡普尔 他的作品似乎在世界中找到了一个缺口，他试图用各种手段来暗示现象与精神的对话。
，钢铁，2018。
云门（豆子）,2004,
6.塔拉·多诺万
塔拉·多诺万 (Tara) 1969 年出生于纽约市皇后区法拉盛。是一位美国雕塑家，在纽约布鲁克林生活和工作。她的大型装置、雕塑、绘画和版画利用日常物品来探索积累和聚合的变革效果。她因能够利用物体固有的物理特性并将其转化为产生独特感知现象的作品而受到广泛赞誉。在不改变其物理外观的情况下，仅通过大量的堆叠和组合，就创造出了一个无限膨胀、似乎拥有生命力的庞然大物。
,MCA
，步伐
（杯），2003/2008
5.马克·奎因
Marc Quinn 1964 年出生于伦敦，1985 年毕业于剑桥大学罗宾逊学院，目前在伦敦生活和创作。人物形象主要通过雕塑来塑造，使用的材料多种多样，包括大理石、血、冰、玻璃、金属或化学复合材料。他对生物结构的可变性感兴趣，有时使用花朵作为材料，保存在冷冻硅胶中以使其长时间开放。在概念层面上，他的作品研究形式与内容、内在与外在之间的联系，尤其是与身体有关的联系。
《Self》[Self，1991]是奎因最著名的作品之一。他抽取了几品脱自己的血液，将其冷冻并制作了自己的头部模型，并将其存放在冷藏箱中并进行展示。在这里，奎恩重新诠释了自画像的艺术方法，选择以真正正式和身体的方式表达自己。
自我（血）。 2006年。
（无心的欲望）2010
七原罪 VI，1964 年
4. 雷切尔·怀特雷德 ( )
雷切尔·怀特雷德爵士 (Dame ) 出生于 1963 年，英国艺术家。她创作的作品用来塑造作品周围环境与空间环境之间的联系。她熔化金属、石膏、橡胶或玻璃纤维，并将它们倒入模具中，创造出日常生活中存在的传统物品。然后物体周围的空间被“密封”或“冻结”并呈现给公众。她用“反雕塑”的方式颠覆了大家对雕塑的传统认知。作为第一位获得特纳奖的女性艺术家，她继续以不朽的作品探索“缺席”和“缺席”的话题。
,2010
（躯干）1991
房子,1993
3.琪琪·史密斯
琪琪·史密斯1954年出生于德国纽伦堡，她的生活和随后的艺术创作均在美国进行。史密斯出生于一个艺术世家。她的父母都是著名艺术家。她的父亲是雕塑家托尼·史密斯，母亲是歌剧歌手珍妮·史密斯。
他的作品涉及性、出生和重生等主题。她 20 世纪 80 年代末和 90 年代初的具象作品涉及艾滋病和性别等主题，而最近的作品则描绘了人类与自然的关系。她的作品涉及从版画到雕塑等多个领域。在雕塑领域，她密切关注人体题材。
1980 佩斯
2.理查德·塞拉
理查德·塞拉（ Serra）1939年出生于美国旧金山。雕塑家、摄像师。极简主义艺术大师。以用金属板建造壮观的抽象雕塑而闻名。 1964年，当理查德·塞拉（ Serra）获得耶鲁大学奖学金前往巴黎，第一次看到布朗库西的雕塑时，他被深深吸引：仅仅一条边缘线就能暗示雕塑的体积。于是他放弃了绘画，开始探索如何重塑空间。
1970年他访问日本时，日本的园林给了他很多灵感和启发，他开始尝试创作大型雕塑，让人们亲身体验雕塑的内涵。巴塞尔艺术展著名策展人马丁·施万德这样评价理查德·塞拉的雕塑：“他的作品通常与危险和压迫感联系在一起。”作品的内涵体现在观众的理解中，而不是雕塑本身。雕塑的空间结构和时间视角是观众理解理查德·塞拉雕塑作品的不同方式。
1981年，一座高12英尺、长120英尺的巨大弧形雕塑在纽约联邦广场竖立起来。这就是理查德·塞拉完成的《倾斜的弧线》。这座巨型雕塑几乎占据了整个联邦广场，但也引起了巨大争议。塞拉的防守失败了。 1989年，雕塑被移出广场。塞拉曾经说过，“艺术从来都不是让人感到舒服的东西。”
（序列），艺术，
, 2011,
（后门管道），2010，
1.杰夫·昆斯
杰夫·昆斯 (Jeff Koons) 出生于 1955 年，小时候他放学后挨家挨户出售礼品包装纸和糖果来赚取零用钱。青少年时期，他非常崇拜萨尔瓦多·达利，以至于当达利住在纽约瑞吉酒店时，昆斯直接拜访了他。
1979年前后，昆斯一直专注于观念艺术的研究，比如“THE NEW”系列，这是一套吸尘器。昆斯早期作品的另一个例子是“平衡系列”（1983），由一到三个漂浮在蒸馏水中的篮球组成，这是艺术家在诺贝尔奖获得者物理学家理查德·费曼研究项目的帮助下委托创作的（后来升级为创造第二组）。后来，昆斯开始转向电镀雕塑的研究，专攻商业艺术。这也是他在学界名声褒贬不一的原因。
批评者对昆斯的看法存在分歧。有些人认为他的作品具有开创性和艺术历史意义。其他人则认为他的作品庸俗、粗俗，并且基于愤世嫉俗的自我推销。昆斯表示，他的作品中没有隐藏的意义或批评。
球
书，1997-2005， |
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发表于 2024-10-1 22:32:23
