蒙娜·丽莎的神秘微笑：达·芬奇的传世之作，为何让世人痴迷？

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1.《蒙娜丽莎》——列奥纳多·达·芬奇

这幅肖像花了列奥纳多四年的时间，当他完成这幅肖像时，他不想把它送给贡多（富商，蒙娜丽莎的丈夫）或其他任何人。当他受到法国国王的邀请时，他带着这幅肖像离开意大利前往法国。列奥纳多·达·芬奇在法国去世，这就是为什么《蒙娜丽莎》这幅画在法国。

几个世纪以来，人们都在谈论她神秘的微笑，而她的微笑确实很神秘：它似乎在变化。不同的观众或者不同的时间看到可能会有不同的感受。有时我觉得她的笑容舒服又温柔，有时她看起来很严肃，有时她看起来有些悲伤，有时甚至看起来有些讽刺和戏弄。

在绘画中，光线的变化不会像雕塑中那样产生那么大的变化。但蒙娜丽莎的脸上，淡淡的阴影出现又下沉，给她的眼睛和嘴唇蒙上一层轻纱。人类的微笑主要表现在眼角和嘴角，但达芬奇把这些部位画得模糊不清，没有明确的界限，所以才有了这种难以捉摸的“神秘微笑”。

关于这幅画还有一个故事。达·芬奇在画《蒙娜丽莎》时，请一位音乐家在她旁边演奏，让她能够像模特一样耐心、平静地坐着。她的眼神告诉我们她在听。现在，如果我们看着她那双美丽的手，并把它们与她的脸结合起来，我们会觉得神情更加真诚。她的右手轻轻放在左手上，中指根本没有支撑。我们感觉它正在随着音乐的节奏轻轻敲击。

当我们看到这幅写实肖像背后的风景时，我们会被背景的不真实感所震惊。山峰、道路、小桥、流水都呈现出一种梦幻、漂浮的气氛，仿佛在证明蒙娜丽莎的思绪沉浸在梦境世界中。

2.《最后的晚餐》——列奥纳多·达·芬奇

在庆祝逾越节的前夕，耶稣和他的十二个门徒坐在餐桌旁庆祝逾越节的晚餐。桌子上有十三个人。这是他们一起吃的最后一顿饭。

在餐桌上，耶稣突然感到不安。他告诉他的门徒，他们中的一个人会背叛他；但耶稣并没有说他是犹大，门徒也不知道谁会出卖耶稣。

意大利伟大艺术家达芬奇的《最后的晚餐》是以此主题创作的所有作品中最著名的。这幅画直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上。

十二个门徒沿着桌子坐着，分成四组，耶稣坐在桌子中央。他悲伤地摊开双手，表示他的一名弟子背叛了他。

大多数门徒兴奋地跳了起来，但耶稣的形象却是那么平静。我们可以看到他清晰的轮廓衬托在背景墙上的窗户上。透过窗户，我们看到宁静的景色，蓝天像光环一样围绕着耶稣的头。

在耶稣右边的人群中，我们看到一张黝黑的脸，向后靠着，仿佛在躲避耶稣。他的手肘撑在餐桌上，手里抓着一个钱袋子。我们知道他就是叛徒，加略人犹大。

犹大手中的钱袋是他的象征。它提醒我们，他是为耶稣和其他门徒保管金钱的人。钱袋子里装着背叛耶稣的三十块银子的赏赐。

即使他没有拿着钱袋，我们仍然可以通过达芬奇画的方式来识别罪孽深重的敌人犹大。

犹大侧影旁边是圣彼得。我们还可以看到他的银发和白手，斜向年轻的圣约翰。彼得挂在臀部的右手握着一把刀，刀尖仿佛不经意间就指向了犹大的后背。

圣约翰的头向彼得低下。在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的。约翰像耶稣一样平静，明白了他主人的话。

耶稣左边是年轻的詹姆斯，他张开双手，尖叫着，试图理解他听到的可怕话语。

越过小詹姆斯的肩膀，我们看到了圣托马斯，困惑的托马斯，举起的手指表达了他怀疑的表情。

在小詹姆斯的另一边，圣菲利普靠向耶稣，双手放在胸前，仿佛在说：“你知道我的心，你也知道我永远不会背叛你。”他的脸上充满了爱和忠诚。并露出苦恼的表情。

耶稣周围的六个门徒是故事的中心。

巴塞洛缪和老雅各布的身体向他们倾斜，旁边的老安德鲁没有站起来，但他想听，所以他举起了双手，仿佛在请求安静。

最后三个弟子留在右边。他们正在讨论耶稣所说的话，他们的手指指向桌子的中央。

他们所看到的一切都发生在这部伟大作品的背景下，但每次我们看它时，我们都会从门徒的情感和性格中获得新的意义。

3.《向日葵》——梵高

梵高的艺术是伟大的，但他生前并没有得到社会的认可。他的作品蕴含着深刻的悲剧意识，其强烈的个性和对形式的独特追求远远领先于时代，确实很难被当时的人们所接受。他利用环境来把握物体，他重新改变现实以达到有形的现实，这促成了表现主义的诞生。人们对他最误解的时候，就是他对自己的创作最自信的时候。因此，他留下了一件永恒的艺术作品。他直接影响了法国野兽派、德国表现主义，甚至20世纪初兴起的抒情抽象肖像画。 《向日葵》是在阳光灿烂的法国南部写成的。

画家就像一团熊熊的火焰，充满了炽热、动人、似旋转的笔触，厚重而有力，色彩的对比纯净而强烈。然而，这种粗犷和朴素却充满了智慧和灵气。观者观看这幅画时，无不被激动人心的视觉效果所感动，心灵为之颤抖，激情迸发。他们都渴望尝试并融入梵高丰富的主观情感。总之，梵高笔下的向日葵不仅仅是植物，而是具有原始冲动和激情的生命体。

4.《第一步》——梵高

这幅作品是梵高临摹米勒的同名作品。图为农村的一片农田，后面是农民的房屋。画面右侧，一位农妇搀扶着小女儿，帮助她学走路。左边女婴的农民父亲蹲在地上，张开双手鼓励她前进。

虽然这是梵高临摹米勒的作品，但整幅画却流露出梵高的个人风格。画作用色鲜艳，多为蓝、黄、绿。这些高亮度、自然的色彩让人感受到活跃的活力。他在画中的人物和物体上使用了粗黑线。这显然是受到了JP Art的影响，也给画作增添了真实感。

此外，他还用弯曲和旋转的笔触画树木、灌木和农作物。这是他成熟绘画中常用的技法，也给画面增添了活泼的气氛。整个乡村场景让人感受到真实的农民生活，平凡却充满活力，充满亲情。

5.《创造亚当》——米开朗基罗

米开朗基罗代表性壁画的重要组成部分。由于他在佛罗伦萨的声誉，当时的教皇朱利叶斯二世邀请他参与教皇陵墓的建造，但该工程后来被中断。 1508年，他被迫接受绘制西斯廷教堂天花板壁画的任务。当时他的心情是悲伤而愤怒的。没想到，这幅壁画后来成为了他一生最伟大的杰作。西斯廷屋顶壁画面积约500平方米，是艺术史上最大的壁画之一。

米开朗基罗根据建筑框架在大厅中央连续画了9幅大小不同的宗教画。都是根据圣经中创造世界直到洪水和方舟的故事改编的，分别名为《划分光明与黑暗》、《划分光明与黑暗》、《创造太阳、月亮、草》和树木》、《神水登陆》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《诱惑与逐出乐园》、《诺亚的牺牲》、《洪水》、《醉酒》。

这幅巨幅壁画花了四年多的时间才完成。由于长期背负着艰苦的绘画工作，他的脖子僵硬了，他必须把头枕在头顶上看信。其中以《创造亚当》最为出色。画中的亚当形象刚强、气势磅礴，拥有坚强的意志和力量。展现了艺术家基于现实主义的非凡理想处理，为同时代人提供了深刻的启发。

6.《梦》——毕加索

1927年，47岁的毕加索第一次见到了一位17岁的金发、身材丰满的女孩。从此，这个女孩就成了毕加索绘画和雕塑的模特。又过了17年，64岁的毕加索给她写了一封生日信，写道：“对我来说，今天是你的17岁生日，尽管你已经度过了两倍的岁月。在这个世界上，遇见你是我唯一的一次。”将能够庆祝我的17岁生日。”这是我生命的开始。”这幅画作于1932年，可以说是毕加索对精神和身体热爱的最完美体现。

7.《大女仆》——天使

当安格尔在罗马等待求学期间，他接受了列日市（现在的比利时）的订单，在那里画了一幅《第一执政波拿巴的肖像》。这是1803年，也就是路易十六被处决后，拿破仑发动了旨在推翻督政府的雾月十八日政变。这位首任执政官想对国家实行军事统治，人民对他恨之入骨。安格尔同意完成这样一幅肖像。 1806年，他画了《王座上的拿破仑一世》。后一部作品是为庆祝军人登基而创作的赤裸裸的悼词。安格尔并不关心政治，但他在这两幅画中表明了自己的立场。同年该作品在巴黎沙龙展出时，遭到舆论嘲讽。

罗马的安格尔得知这幅画的反响后，心情十分沉重，并表示愤慨：

“人们总以为沙龙是一个鼓励绘画的地方，其实不然，它为绘画提供了一条悲伤的道路。” 1813年，他与玛德琳·查普尔小姐结婚，这终于给了他一些安慰。他说：“查佩尔是自我牺牲的典范，她已经成为我生活中的安慰。”此时，他除了画神话题材外，还画了几幅裸体题材的巨幅画作，准备再次寄往巴黎。出现吧。这幅画《大宫女》（此时的法国贵族上流社会对带有浓郁东方情调的土耳其内宫生活极为感兴趣，有的画家刻意描绘土耳其闺阁的淫荡生活，以满足视觉需要）安热画了几幅土耳其侍女形象，这幅画的标题是为了与他这一时期描绘裸体女性的代表作之一的另一幅油画《宫女》相区别。 。

当这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的批评。人们说，作为戴维特的学生，安吉尔走得太远了。他们讽刺地说：“安格尔先生画活生生的人，就像几何学家画立体一样。为了用他预算的线条让素描具有三维效果，他不遗余力！他突然放大了人体的各个部分。”突然缩小，就像普罗克拉斯特床上的俘虏（）

传说中的古希腊强盗将他们的俘虏绑在一张铁床上。如果尸体比沙发还长，他们就会砍掉腿。有时，他感到沮丧，不再强化那该死的三维空间，而是开始完善轮廓。这叫舍本逐末，以鞘代剑决斗。

评论家德·凯拉特里 (De ) 说得更中肯。他曾对安格尔的学生说：“他的女仆背上至少有三块额外的椎骨。”不过，安格尔的学生、前任老师、传记作者阿莫里·杜瓦尔则说得更中肯：“他也许是对的，但那又怎样？或许正是因为这长长的腰身，让她如此柔软，能够一下子压倒观众。”如果她的身材比例绝对准确的话，恐怕就不会这么诱人了。

这幅《大宫女》画作要求严格的古典风格，确实存在不少“偏差”。首先，色彩的“范围”被严重破坏，背景的强烈蓝色和裸露皮肤的黄色，以及人体的黄色。浅色、深色和粉色的色调极其不和谐，其次就是上面提到的夸张的身材。这幅女性裸体几乎成了变形美的实验。完全违背了老师的宫廷教诲。安格尔的学生杜瓦尔竭尽全力为他辩护。他说：“我不想说安格尔先生是一个浪漫主义者。但我也想申明，他从来就不是他当时所理解的意义上的‘古典主义者’。”

安格尔在这幅画中似乎展现了他在自然面前的独立。然而，由于安格尔美学信仰的坚定，这里的表演却导致人们对他的看法产生了模糊性。攻击和批评是不可避免的。从历史的角度来看，我们觉得安格尔有探索的勇气，尽管他所描绘的人物是高度虚构的。

这幅画于 1814 年左右完成，尺寸为 91 x 162 厘米。现藏于巴黎卢浮宫博物馆。

8.《圣母子》——拉斐尔

画中，圣母子坐在凳子上，身后是温柔和风景。那是一个阳光明媚的日子，我们可以看到远处的山脉与淡蓝色的天空融为一体。

右边的几丛灌木把我们的目光引向了山上的小教堂。这让我们想到一位年轻的母亲带着她的孩子属于宗教世界。母亲和孩子头上环绕的两个光环是他们圣洁的象征。拉斐尔不需要这个符号来表达他的意思。他把年轻的母亲描绘得如此甜美，将她梦幻般的脸画得如此温柔，以至于当我们看到她时，我们只能想到圣母。

她的大眼睛什么也没看着，顺着她的思绪转动。她陷入沉思，似乎没有注意到婴儿耶稣将他的小脚放在她搁在膝盖上的手上。她用另一只手臂抱着婴儿。

当我们把她的手和脸放在一起去理解时，我们感觉她似乎已经忘记了婴儿的存在，她正在想着耶稣和他的未来。

与他的母亲相比，小耶稣被画得比同龄的男孩大是很自然的。拉斐尔创作这幅儿童肖像的方式确立了耶稣在画作中的突出地位。

观察圣母子的脸，我们可以发现，柔和的轮廓、大大的眼睛、挺直的鼻子和小嘴，与希腊杰出雕塑家普拉克西特列斯创作的维纳斯头像惊人地相似。因为拉斐尔是文艺复兴时期的艺术家，他一直在研究古代艺术。但也存在差异。拉斐尔把圣母的脸画得更加柔和。他把古代女神的表情画得更加细腻、柔和，赋予了古代异教艺术品新的基督教意义。

拉斐尔赋予了古老的美丽新的生命。在他的绘画中，古老的艺术得到了重生，并发展成一种新的、不同的完美形式。拉斐尔的成就代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。

9.《吹长笛的男孩》——马奈

马奈早年接受了六年的学术教育，后来研究了过去许多大师的作品。他的画作既有传统绘画的立体造型，又有印象派色彩的鲜艳、生动、明亮。可以说，他是一位连接过去与未来的重要画家。他的作品（特别是肖像画）自然地反映了他的拍摄对象的性格和心理。 《吹笛子的男孩》采用几乎没有阴影的平面人物画法来表现人物的真实。从这里我们可以看到马奈的才华和自信。这幅画显然受到了 JP 浮世绘的影响。

注：马奈这个名字来源于拉丁文铭文马奈，意思是：“他活着，并将活着。”

10.《撑阳伞的女人》——莫奈

这幅作品是莫奈早期的印象技法绘画。图片的右中部站着一位撑着阳伞的女士，而她的儿子则在图片的最左边。那是一个阳光明媚的早晨，母子二人在草地上散步。

整幅画只使用了简单的蓝、绿、棕等自然色彩，给人一种平和、舒适的感觉。画中的女子占据了画中的大部分空间，成为画中有趣的中心。而左边的小男孩、阳伞和女士也形成了一个三角形，起到了平衡的效果。

这幅画虽然是莫奈的早期作品，但可以看出他很好地捕捉到了画中的光影和瞬间印象。画中女子的脸部和上半身涂有较深的颜色，表明她处于阳伞的阴影下。草地上的整个遮阳伞、脸部、衣服和阴影区域与女人衣服浅色一侧的光影形成鲜明对比（小儿子也是如此），就像现实中看到的一样。此外，女子摆动的头巾和长裙上的褶子也增强了画面的动感。

11.《倒吊人之屋》——塞尚

1872年底，塞尚离开蓬图瓦兹另一边的旅馆，前往奥维尔村。通过与毕沙罗和吉洛曼在蓬图瓦兹的合作，塞尚在他的绘画中充分运用了他学到的印象派技巧。色彩比以前更加鲜艳，画面充满活力，笔触更加细腻。然而，它仍然保留了其最初的强度和坚固性的特征。

在这件作品中，右边高高的屋脊和左边的房子之间是一条陡峭下降的道路。在中景镜头中，只能看到村里房屋的屋顶。这个场景展示了奥维尔村明亮的田野和天空。前景中的屋脊、建筑物、道路显得坚实而有力，给人一种厚重的感觉。印象派作品中经常出现的平地在这里却不见踪影。前景中的巨大物体挡住了远处的视线，仿佛在宁静稳定的风景中插入了一个大楔子。这样的构图和《倒吊人之屋》这样的主题选择，不禁让人想起塞尚自己的内心活动和精神状态。

12.《喷泉》——天使

年轻的裸体女孩拿着一个水壶，让水倒出来。她的肌肉因安琪美丽温柔的曲线而显得更加迷人。色彩的运用非常柔和且多样。表现出高贵、庄重之美。这幅画《喷泉》早在安格尔在佛罗伦萨时就开始酝酿，三十多年后终于完成。

13.《日出·印象》——莫奈

《日出·印象》描绘了勒阿弗尔港一个雾蒙蒙的早晨。晨光笼罩下的海水呈现橙色或淡紫色，天空由各种色块渲染，再现强烈的大气反射形成的表面。颜色。这种对绘画语言本身的探索被后世许多画家所接受，从而形成了源于印象派的一大潮流，艺术从此踏上了现代之旅。

14.《伏尔加河上的追踪者》——列宾

列宾（1844-1930）是19世纪末俄罗斯批判现实主义绘画的主要代表之一。 《伏尔加河上的追踪者》是他最著名的作品。当他还是学生时，彼得堡涅瓦河上纤夫的繁重劳动引起了列宾的同情。从那时起，他就想画一幅追踪者的作品，提醒下层劳动人民痛苦的生活和社会的不公。 1870年夏天，列宾和同学瓦西里耶夫（后来也画过纤夫的画）到伏尔加河边旅游写生。俄罗斯典型的风光和纤夫的生活给他留下了难忘的印象。

画中，列宾描绘了十一位饱经风霜的劳动者，他们在炎热的河滩上奋力拉动绳索。追踪者有不同的经历和个性。他们生活在社会最底层，但却是一支在磨难中坚韧不拔、相互依存的团队。背景的色彩昏暗、迷蒙，空间诡异地空旷，给人一种忧郁、孤独、无助的感觉。它真正深入了追踪者的内心，也是画家心境的真实写照。这体现了绘画的目的和情感内容。箔片发挥了很大的作用。

因此，这幅画的构图、线条、笔法等绘画技法都相当成功。

15.《阿维尼翁的少女》——毕加索

过去的画家从一个角度看人或物，画的只是三维的一面。立体主义以新的方式展示事物。他们从几个角度观察，从几个从正面看不到的角度观察，用并列或重叠的方式表达从正面看不到的几个侧面。出来。在《阿维尼翁的少女》中，五个裸体女人的色调在蓝色背景的衬托下。背景也任意划分，毫无距离感。字符由几何形状组成。

16.《维纳斯与阿瑞斯》——波提切利

波提切利和乔托、马萨乔和多纳泰罗的作品将佛罗伦萨艺术带入了一个新时代。人们非常喜爱现实主义艺术，波提切利是那个时代的领袖。他的作品曲线优美、优雅而独特，使他成为当时佛罗伦萨最伟大的天才画家。

画中的战神是爱神维纳斯的恋人之一。战神没有穿盔甲正在睡觉，而维纳斯却醒着。意思是爱可以战胜战争，即爱可以战胜一切。

这件作品当时可能是卧室家具上的装饰品，也可能放在床头、墙板、背板或柜子上。

17.《戴安娜的休息》——弗朗索瓦·布歇

戴安娜是希腊神话中的阿尔忒弥斯。她是月亮和狩猎女神，宙斯和勒托的女儿，阿波罗的孪生妹妹。图中有两个裸体女性形象。右边的是戴安娜，额头上戴着月亮饰。她以美丽和残忍而闻名。画家的目的并非神话本身，而是指代路易十五时期宫廷中的美丽女子。女性裸体。据说，艺术家在画室里画了特殊的模特——玛菲特姐妹，并把她们理想化了。从造型和色彩表现力来看，确实是上乘之作，但画得太细腻，太精彩了。

18.《雅各与天使战斗》——高更

这件看似宗教题材的作品实际上具有象征意义，描绘了布列塔尼一位农妇在教区牧师解释教义时所看到的景象。画作描绘的是人们心中的幻觉，以写实的方式呈现，因此画中的人物并非基督教形象。布列塔尼农妇所戴的奇特帽子增强了画面的装饰效果，而宗教传说中的“打斗”场景则在不那么明显的地方进行了处理，以象征这些虔诚的布列塔尼农民的心灵。幻象反映在其中。这个主题使他的画显得神秘。这里的画是由红、蓝、黑、白组成的图案，线条弯曲起伏，类似于拜占庭马赛克。由于内容和形式的复杂性，高更的艺术风格也复杂起来，因此历史学家称之为“综合主义”。高更的风格后来也影响了法国的纳比派和野兽派。

19.《西斯廷圣母》——拉斐尔

屏幕上，幕布缓缓向两侧拉开，圣母玛利亚怀里抱着圣婴基督，缓缓从云端降临。她的脚下跪着年老的教皇西斯廷二世和年轻美丽的圣瓦尔瓦拉。前者穿着厚重的袈裟，用手指向圣母该去的大地，后者则眼神低垂，带着一丝虔诚。羞涩的，仿佛在为母子祈祷。圣女面容美丽而平静，但眉宇间却似乎隐藏着一丝担忧。为了拯救全人类，她必须牺牲自己心爱的儿子。小基督依偎在母亲的怀里。他睁着一双大眼睛看着我们，眼神里有一种不同寻常的严肃感，仿佛他已经明白了这里发生的一切。

20.《雨伞》——雷诺阿

雷诺阿擅长画生活、可爱的妇女和儿童。从那时起，他就放弃了印象派技巧，专注于素描。这件作品的绚丽色彩已经消失，取而代之的是一种新的尝试，即准确的素描。据说，这位左手提着篮子的女子，是仿照雷诺阿的妻子阿琳设计的。

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